White Lightnin' , de Jessco White

White Lightnin' Dir: Dominic Murphy. USA. Panorama.

La tormentosa vida de Jesco White, narrada con furia y desenfreno en esta opera prima de Dominic Murphy es el eje principal de "White Lightnin´", siendo el indirecto co-protagonista el sur americano y su cultura "white trash" que, y aquí a modos subjetivo, podría haber sido un título alternativo para esta película. La traumática infancia del protagonista, un bailarín de ¿tap? poseído por el demonio de las drogas y la violencia, conforman un perturbador relato de las miserias humanas y los males que acechan a la vuelta del rancho cuando no hay figura familiar que contenga. Por momentos demasiado oscuro y agobiante, el film de Murphy recurre a un excelente montaje y sonorización para describir casi a la perfección el inevitable descenso a los infiernos del protagonista, con escenas fuertes y de crudez extrema, pero sin caer en lo innecesariamente gráfico como el otro plato fuerte del Festival, "Antichrist" de Lars Von Trier.

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--Mariano Torres

Muppets en Mar del Plata

The Muppet Movie. Dir: Jim Henson, Varios. USA.

Los Muppets de vacaciones en Mar del Plata: conferencias, talleres de marionetas, films inéditos y clásicos por doquier. René y sus amigos demostraron que siguen vigentes tras tantos años (décadas) de aventuras fílmicas y televisivas y que, ya sea ahora bajo el sello Disney, gozan de buena salud y sus mejores aventuras están aún por venir. Un panorama para ver en familia y recordar los buenos tiempos infantiles, cuando no todo era animé epiléptico o vectores animados de trazo digital bien limpio.

Films proyectados: The Muppets Movie, The Great Muppet Caper, Labyrinth, Dark Crystal, publicidades y apariciones televisivas de los Muppets.

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--Mariano Torres

Nightmares in Red. White and Blue, de Andrew Monument

Nightmares in Red, White and Blue. USA. Dir: Andrew Monument. Panorama.

John Carpenter, Joe Dante, George Romero y Larry Cohen ya son suficiente como para justificar enteramente el precio de la entrada. Los testimonios de los verdaderos grandes del terror acompañan un recorriedo por el género más bastardeado por la crítica, pero a la vez uno de los más potentes e influyentes en directores de la talla de Martin Scorsese y Steven Spielberg. De los films de monstruos de la Universal al Tiburón mecánico que acechó las playas de Amityville, no falta ninguna figura del terror en esta fiesta de sangre y suspenso. Una verdadera joyita de las proyecciones de medianoche.

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--Mariano Torres

Cold Sous, de Sphie Barthes

Cold Souls. Dir: Sophie Barthes. USA. Panorama.

Es un chiste de nerds cinéfilos: al igual que Morgan Freeman es siempre un gran detective (o Dios, recientemente), Paul Giamatti es un perdedor total. Pues bien, aquí el chiste cobra vida bajo la mirada irónica de Barthes aunque, como todo chiste que se explica demasiadas veces, pierde la gracia. La trama se reduce a que el pobre actor Paul Giamatti, interpretándose a sí mismo, falto de inspiración y al borde de una depresión inminente, conoce un "banco de almas" que asegura que, depositando ahí este peso metafísico, la vida se vuelve más fácil. Y lo hace, y ahí es cuando "Could Souls" comienza a recordar a mejores películas como "Eterno Resplandor de una Mente Sin Brillo" y "¿Quieres ser John Malchovich?". Los diálogos van de lo absurdo a lo predecible, la fotografía se torna tan plana como el guión, que no logra sostener una apenas simpática -y pretenciosa- idea a lo largo de los 101 minutos que dura el film.

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--Mariano Torres

Films y cortos de Javier Fesser

Films y cortos de Javier Fesser. España.

Un hombre de color (no el que creemos que es) es manipulado, mientras un transeúnte recibe disparos en una cabina de teléfonos, al tiempo que una desquiciada abuela patea a su simpático nieto. ¿Capítulo surrealista de Looney Tunes? Casi: estas "caricaturas de la vida real" pertenecen al hilarante mundo de Javier Fesser, el responsable de "El Milagro de P. Tinto" y "Las Aventuras de Filemón", también exhibidas en el Festival, en este homenaje a uno de los más irreverentes cineastas que la Madre Patria ha sabido parir en las últimas décadas. Un panorama tan absurdo como entretenido, complementado por una conferencia a cargo del autor de tanto delirio fílmico. Una de esas gratas sorpresas del Festival.

Died Young, Stayed Pretty, de Eileen Yaghoobian

Died Young, Stayed Pretty. USA. Dir: Eileen Yaghoobian. Sección Panorama

A pesar de que el título parece indicar lo contrario, Died Young, Stayed Pretty, no es una historia del punk neoyrokino ni nada por el estilo. Más bien, parece ser lo opuesto: se menciona al punk y se lo descarta así como al hippismo, el hardcore, el new wave y tantas otras corrientes musicales. Porque, después de todo, este documental de Eileen Yaghoobian no trata sobre música sino sobre algo que suele acompañarla desde la parte gráfica: los posters para bandas. Con diseños salvajes y cuidadasomante desprolijos, estos ocultos artistas gráficos por momentos defienden y por otros lamentan el eterno estado "under" de este tipo de piezas, demasiado atípicas para ser llamadas arte y muy elaboradas para ser mero hobbie. ¿Publicidad? ¿Diseño? ¿Híbrido de todo esto? No esperen respuesta en el documental: nadie sabe, ni siquiera los entrevistados, de dónde vino todo esto, ni mucho menos, hacia dónde va en la era digital. El film de Yaghoobian apenas prueba que, sea lo que sea, esta forma de ¿dibujo? existe. Y es más que suficiente para tenerlo en cuenta.

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-- Mariano Torres

crítica 36 vues du Pic Saint Loup, de Jacques Rivette

36 vues du Pic Saint Loup. Francia. Dir: Jacques Rivette. Sección Panorama

Amor, desamor, traición, regreso, pasado y circo. Básicamente, estos cinco ¿temas? pueden definir la obra de Rivette, que en prolongados pero nunca monótonos silencios narra el regreso de una equilibrista a un amor que, paradójicamente, terminó accidentalmente quitándole otro: el de su pareja, también artista circense. Pero describir la trama de 36 Vues... en breves líneas resulta tan dificil como innecesario: el film, por momentos de característica más bien coral al estilo Altman, y por otros abiertamente teatral, es un compilado de grandes performances y una emotiva historia que se aleja por completo del estereotipo de freaks de circo, y se concentra en el aspecto humano de estos atípicos artistas.

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--Mariano Torres

¡A los premios!

Competencia Oficial Internacional

Premios Astor a la Competencia Internacional
Jurado: Julieta Serrano, José Wilker, Juan José Campanella, Álvaro Buela,
Michael Shapiro

Astor de Oro a la Mejor Película: Cinco días sin Nora, de Mariana Chenillo.

Astor de Plata al Mejor Director: Elia Suleiman por The Time That Remains

Astor de Plata al Mejor Guión: V.O.S., de Cesc Gay

Astor de Plata al Mejor Actor: Gary Piquer, por Mal día para pescar, de Álvaro Brechner.

Astor de Plata a la Mejor Actriz: Allison Janney, por Life During Wartime, de Todd Solonz.

Astor de Plata al Premio Especial del Jurado: elenco de El cuerno de la abundancia, de Juan Carlos Tabío.

1ra Mención Especial del Jurado: Vikingo, de José Celestino Campusano.

2da Mención Especial del Jurado: a Andrey Khrzhanovskiy, director de Room and a Half



Competencia Oficial Latinoamericana

Premio al mejor largometraje Latinoamericano
Jurado: Beatriz Valdés, Juan Pablo Lacroze, Jorge Jellinek

Premio Ventana Sur, para la realización de tres copias de la película, al mejor largometraje latinoamericano para: La hora de la siesta, de Sofía Mora

Mención para Hiroshima, de Pablo Stoll


Premio al mejor cortometraje Latinoamericano

Premio al mejor cortometraje Latinoamericano: La chirola, de Diego Mondaca.


Competencia Oficial Argentina

Premio a los dos mejores largometrajes Argentinos
Jurado: Jerry Carlson, Hugo Gamarra, Ryszard Mietkiewicz

El Premio Kodak-Cinecolor para la ampliación de los dos largometrajes ganadores es para:

TL-2- la felicidad es una leyenda urbana, de Tetsuo Lumière.

El hombre de al lado, de Gastón Duprat y Mariano Cohn.

Mención: Padres de la plaza: 10 recorridos posibles, de Joaquín Daglio.


Competencia de cortos Argentinos

1er. Premio Canon: 1 (una) Cámara Canon 5D Mark II (bouna T1i Kit)

Premio Competencia Oficial Cortometrajes Argentinos: Ana y Mateo, de Natural Arpajou.

2do. Premio Canon: 1 (una) Cámara Canon T1i (Kit)

Mención Especial Competencia Oficial Cortometrajes Argentinos: Marcela, de Gastón Siriczman.


Premio WIP (Work in Progress)
Jurado: Daniel de la Vega, Hernán Gaffet, Paula Hernández

El premio Kodak-Cinecolor para la ampliación del largometraje es para: La Caracas, de Andrés Cedrón.



Premios No Oficiales

Premio y Mención FEISAL (Federación Iberoamericana de Escuelas de la Imagen y el Sonido) Jurado: Rolando López, Gustavo Postiglione, Raúl Tozzo

Premio para el Mejor director argentino en competencia egresado de una escuela cine.

Mención FEISAL: Andrés no quiere dormir la siesta, de Daniel Bustamante.

“Por el aporte a la memoria, destacando la mirada del autor hacia la complejidad del universo infantil.”

Premio FEISAL: El Perseguidor, de Víctor Cruz.

“Por la ruptura de una narración clásica y tradicional, destacándose una búsqueda narrativa que mantiene la tensión, el suspenso y la intriga y que propone nuevos cambios dentro de la joven producción cinematográfica argentina.”


Premio ACCA (Asociación de Cronistas Cinematográficos Argentinos) Jurado: Lorena Cancela, Paraná Sendros, Patricia Slukich

Mención: Room and a Half , de Andrey Khrzhanovskiy
“Por recordar que el cine y la poesía van de la mano.”

Premio Mejor Película de la Competencia Internacional: The time That Remains, de Elia Suleiman.

“Por la maestría artística y el lúcido abordaje con que expone, desde lo personal, la historia y el dolor de su propio pueblo.”

Premio SIGNIS (Asociación Católica Mundial para la Comunicación)

Jurado presidido por Carla Lima Fontoura e integrado por Agustín Neifert y José María Riba.

Mención Especial SIGNIS: V.O.S., de Cesc Gay

“Por ahondar sin ceder a la facilidad en la anatomía de las relaciones de una generación concreta y en la naturaleza de la creación artística, experimentando de manera desprejuiciada y hábil nuevas estructuras narrativas.”

Gran Premio SIGNIS, Mejor Película de la Competencia Internacional: Mother, de Bong Joon-ho

“Por una obra completa, que explora de lo que es capaz una madre dispuesta a todo para proteger a su hijo. El director cuestiona y lo hace desde un planteamiento ético desprovisto de maniqueísmos y dogmas. En el plano formal propone una gran riqueza de recursos expresivos de géneros muy diversos.”

Premio FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica)

Jurado: Isaac León Frías, Kirill Razlogov, Paulo Pécora

El FIPRESI otorga el Premio de la crítica internacional al realizador argentino José Villafañ, por su cortometraje Elvira en el Rio Loro.

El jurado de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica otorga del Premio de la crítica internacional a la película Vikingo, de José Celestino Campusano.

“Por el acierto en la mirada de un universo marginal suburbano en la que coexisten la violencia y la dignidad.”


Premio Estímulo Hacia una Industria Cinematográfica Nacional

La Unión Industrial Argentina otorgó el “Premio Estímulo hacia una industria cinematográfica nacional”, en el marco del acuerdo institucional celebrado con el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales y la Federación Argentina de Productores Cinematográficos y Audiovisuales.

Estos Premios distinguen al Productor y Empresa Productora Cinematográfica Nacional, por su carácter emprendedor y/o actividad empresarial, generadora de fuentes de empleos, rentabilidad nacional y compromiso de reflejar la identidad de nuestro país.

El 1º Premio fue entregado por el Dr. Horacio Martínez -Presidente del Jurado y Miembro de Junta Directiva de la Unión Industrial Argentina- y el Sr. Pablo Rovito, Presidente de FAPCA, entregó el Premio Mención, en su carácter de Jurado.

Los nominados al Premio Mención son: MAGMA CINE SRL, AZPEITIACINE SRL, MAGOYA FILMS, HABITACION 1520 PRODUCCIONES.

El ganador es: Magma Cine SRL

Los nominados al Primer Premio son: MC PRODUCCIONES SRL, HADDOCK FILMS y ALEPH MEDIA SA.

El ganador es MC Producciones SRL

El jurado está integrado por el Dr. Horacio Martínez (Miembro de la Junta Directiva de la UIA y Presidente del Jurado Premio Estímulo), Héctor A Méndez (UIA), Guillermo Moretti (UIA), Pablo Rovito (FAPCA) y Alberto Urthiague (INCAA).

crítica Cinco dìas sin Nora, de Mariana Chenillo

Cinco días sin Nora. México. Dir: Mariana Chenillo. Sección Competencia Internacional.

La apuesta mexicana dentro de la competencia internacional es una comedia negra, que dispara contra la mirada religiosa, casi exclusivamente con el foco en el judaismo, lo cual desde el vamos la convierte en incorrecta, algo ni bueno ni malo, pero que suma, sobre todo en el marco de un festival que se realiza en el país con mayor población judía en toda América Latina.

Porque el personaje central de la historia, la señora Nora, se ha clavado un mix de pastillas y alcohol, con el consecuente paso a la inmortalidad que ello supone. Pero dejò todo programado, a saber: un pedido de comida kosher que recala en la casa de su ex marido (quien vive frente a ella) y notas de todo tipo para que la mucama prepare la cena de Pesaj.

El problema llega cuando un rabino se anoticia de que Nora se quitò la vida y a pocas horas de la festividad religiosa, lo cual compone un combo de problemas; el principal, que deberán velar el cuerpo durante unos cinco dìas.

Su no-viudo (gran labor de Fernando Luján), acérrimo enemigo de la ortodoxia, embarra un poco más la cancha y busca alterar todo lo que la mujer había programado: cambia las notitas para la mucama, pide pizza con chorizo para convidar a los presentes, y contrata a una funeraria católica que envía un féretro en forma de cruz, entre otros boicots.

Con este punto de partida que anuncia problemas durante lo que resta del metraje, Mariana Chenillo armó un relato que pese a transcurrir casi íntegramente en un departamento, no pierde en dinamismo, siempre con el aguijón de este hombre que desnuda cuentas pendientes (y bien terrenales).

El film logra incomodar en un comienzo, desde el modo bienpensante, debido a su mirada crítica respecto de una minoría. Sin embargo, y para todo aquel que piense en la industria religiosa como una farsa o, en el mejor de los casos, como una calesita de falacias anquilosadas en el inconsciente colectivo, sin dudas disfrutará los proyectiles que el guerrero nihilista que compone Luján dispara a diestra y siniestra.

No hay mucho más, sin embargo. Un trabajo formalmente correcto, áspero y llevadero a la vez, un film al que quizá le quedan grandes algunos premios que ha logrado (entre ellos el de este mismo festival) pero que no por eso deja de ser una buena opción del cine mexicano.

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--daniel castelo

crítica V.O.S., de Cesc Gay

V.O.S. España. Dir: Cesc Gay. Sección Competencia Internacional.

"Versión Original Subtitulada" es el título completo de esta gran contendiente de las otras películas en competencia dentro del festival. Contada en base a la idea de cine dentro del cine, el film cuenta una historia de amor, protagonizada por dos parejas que se ven cruzadas por una narración de ficción, pero como parte de una película que se está filmando. Es decir esta. U otra.

Cesc Gay, que en Argentina ya tiene presentados sus trabajos anteriores Ficción y Krámpack, resuelve de manera más que certera una historia que nació como obra de teatro y que vemos en un excelente traslado a la pantalla grande, con citas cinéfilas y un lenguaje reconocible a la vez que novedoso. En tanto que uno de los nombres mencionados a lo largo del relato, Woody Allen, parece haber sido el padre tácito de la semilla narrativa de la película, entre guiños psicoanalíticos y una mirada tan lúcida como cargada del cinismo propio que en este principio de siglo aún arrastramos de los últimos años del XX.

Bonus Track: La reacción del público fue muy cálida, en parte por la cercanía que logra la historia más allá de su código estrictamente cinéfilo, en parte por la presencia en la sala de su director y una de sus actrices. Seria aspirante a, al menos, Premio del Público.

crìtica Plastic Planet, de Werner Boote

Plastic Planet. Austria. Dir: Werner Boote. Sección Panorama - El estado de las cosas.

Al estilo de trabajos como Supersize Me o de los recientes documentales de Michael Moore, este film del austríacoo Werner Boote pone el ojo y el dedo acusador sobre un sujeto omnipresente e innegable. En este caso, el plástico.

Con estadísticas, entrevistas a científicos, militantes ambientalistas y empresarios del sector (los reacios de turno), el documentalista vienés (cuyo abuelo fue uno de los fundadores de la industria del plàstico) redondea su opus con sentidos cross de derecha que nos dejan tan knock out como convencidos de que esa (en apariencia) inocente botellita de agua mineral que tomamos con la idea de purificarnos, en realidad nos dejará de regalo un rosario de químicos fatales en nuestro organismo.

Contundente y directo, el trabajo apela no solo a datos técnicos (porcentajes de veneno en juguetes tupers o botellas de pvc) sino también a elocuentes informes gráficos, como sacar a la vereda todo lo que una familia tiene de plástico en su casa, o recoger una ínfima cantidad de agua del océano y mostrarnos la enorme cantidad de contaminación que presenta.

Se trata de uno de esos trabajos periodísticos con más peso concreto que cualquier artículo escrito, con la imagen como aliada y la realidad innegable de los datos científicos como prueba irrefutable.

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--daniel castelo

Día 6. Natalia.

Israel Adrián Caetano presentó Francia y tras la proyección, ofreció una conferencia de prensa, compartida con Mónica Ayos, Daniel Valenzuela y esa pequeña gran delicia por la que le agradecemos a quien corresponda: Natalia Oreiro.

La rueda de prensa quedó marcada por la belleza de la oriental, el sueño que arrastraba el director y lo poco que dijeron Ayos y Valenzuela, quizás porque todas las preguntas y miradas se las llevaron los dos primeros.

Vale destacar un pasaje de las declaraciones de Caetano, quien respondiendo al papel protagónico de su hija Milagros, confesó que durante el montaje, una escena de violencia conyugal quedó afuera porque a su pequeñuela le pareció "fea". El hombre quiso que fuera preponderante la mirada infantil.

crìtica El hombre de al lado, de M.Cohn & G.Duprat

El hombre de al lado. Argentina. Dir: Mariano Cohn & Gastón Duprat. Sección Competencia Argentina.

El cine de Cohn-Duprat, en términos de ficción, ya tiene su segunda entrega, en lo que, en vista de todo lo saludable que fue El artista, parece apuntar a convertirse en una buena costumbre del panorama local cinematográfico.

Así como en el film anterior la dupla ponía el foco y la ironía (moderada, según ellos mismos) en el mundo del mercado del arte y, sobre todo, en sus personajes, aquí la clave está en las relaciones personales, pero dentro de un pequeño mundo que quizà no le sea tan extraño al anterior.

El hombre de al lado cuenta la crisis que despierta en un hombre (habitante de la majestuosa Casa Curutchet, en La Plata) la llegada de un vecino que abre una ventana precisamente frente a su living, ubicado a poco más de un metro de distancia.

Daniel Aráoz como el vecino prepotente y Rafael Spregelburg como el sofisticado diseñador damnificado entablan así una batalla cotidiana cargada de una tensión constante y creciente, en parte con un link al Sam Peckinpah de Los perros de paja, en parte con un anclaje en el Michael Haneke de Caché.

El film es tenso pero al mismo tiempo una comedia ácida sobre una clase social que se ve invadida por la llegada de uno de "los otros", un forastero de clase, un nuevo rico, uno que no forma parte de la camada y osa poner su cubierto en el plato equivocado. Hay yoga remixada con blackberries, música vanguardista, objetos de diseño incomprables y un tufillo constante a tragedia en puerta, panic button incluído.

Una de las muy buenas opciones argentas del festival, a la vez que una mirada de crítica cool sobre la cooleza propia y ajena. Al mismo tiempo, y como bonus track excluyente, una impagable, imponente performance de Daniel Aráoz, suerte de Bud Spencer flaco y siempre al borde del desborde.

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--daniel castelo

Crítica: Amer

Amer. Francia/Bélgica 2009. Dir: Hélene Cattet, Bruno Forzani.

Amer presenta el (gran) problema de intentar nadar concéntricamente sobre su formalidad, pero al cabo de 15 minutos dicha formalidad se hundirá en las profundidades de no contar con un salvavidas (premisa) más o menos inflado.

El film comienza como un auténtico homenaje a aquél cine de horror italiano que nos regaló caramelos como Suspiria ó La Máscara del Demonio, pero (queremos insistir) sólo en lo formal. Los movimientos de cámara, los encuadres y los close-ups pretendidamente arbitrarios (nunca lo son, o no lo eran, al menos en Suspiria)entretienen nuestros ojos mientras una banda sonora compuesta por exhalaciones y sintetizador agudo nos recuerda a Gobliins. Todo muy lindo y prometedor. El inconveniente se presenta cuando -al contrario de lo que solía suceder en el cine de Bava- la historia ó el relato no se desarrolla y fallece en estado embrionario perdiéndose entre primeros planos (en cámara lenta) del sugerido pubis de la protagonista. Ni siquiera las tres etapas (aparentemente cruciales) de su vida que expone Amer sirven para refrescar la pantalla, pues la premisa dejó de desarrollarse a escasos minutos del inicio y la música que al principio nos agradó (por reminiscencia) ahora ya es poco menos que insoportable, y nuestros ojos ya dejaron el deslumbre inicial y permanecen adormecidos y deseando que llegue el final de una vez por todas.

El cine de Argento siempre recibió cierta crítica respecto a enaltecer lo formal por sobre lo narrativo y por apelar al impacto artístico por sobre la construcción metódica de una línea argumental. Este humilde servidor, aún en desacuerdo con la crítica anterior, opina (y sostiene) que comparada con la de Amer, la línea argumental (y la premsia) del cine de Argento parece tan sólida y aceitada como cualquier borrador inacabado de David Mamet.

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Daniel Celina

crítica: Francia

Francia. Argentina 2009. Dir: Israel Adrián Caetano.

La niña en realidad se llama Mariana, pero ha decidido ser Gloria. Sucede que en el mundo de los adultos, pleno de preocupaciones y golpes bajos, no hay suficiente espacio para los deseos y necesidades de un niño. Deseos y necesidades que serán cubiertos y cumplidos (en mayor ó menor medida) por mamá Natalia Oreiro y papá Lautaro Delgado, pero aún así, Gloria presenta desórdenes de carácter y trastornos de conducta que ponen en jaque tanto la psicopedagogía creadora de la directora de su escuela privada (Lola Berthet) como la paciencia de su maestra de psicodanza (gol de Violeta Urtizberea).

Es que, básicamente, el universo de la niña se halla muy distante de todos los inconvenientes que parecen plantear(se) los adultos, y Francia nos ofrece una perspectiva poderosa e impactante -pero también fresca y simpática- que intenta matrimoniar ambos mundos (niño y adulto) y mostrarnos la forma en la cual uno afecta (y modifica) al otro, a través de la puntual y genuina voz cantante de Gloria/Mariana/La Hija de Israel Adrián Caetano, una damita que se devora la pantalla, y no precisamente por su notoria y bonita dentadura.

"Costumbrismo" que no es tal, situaciones que nos aproximan a lo básico por sobre lo accesorio (amén de un plano secuencia maravilloso que expone el festejo decadente de una familia de posición económica harto holgada) y un psicólogo recién recibido que nos ofrece un acertijo de dudosa resolución para repasar por las noches (antes de dormir) y así despejar la cabeza. Todo eso es Francia, quizá el film más oxigenador del festival hasta el momento.

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Daniel Celina

crítica: Make Out With Violence

Make Out With Violence. USA 2009. Dir: Deagol Brothers.

Los hermanos Deagol (que no son ni los Hughes ni los Wachowski ni los Chiodo) realizaron un film que fué comparado con ciertas joyas de Wes Anderson y de Sophia Coppola. En verdad, quien suscribe encuentra el film más próximo a la serie Twilight que a otros films, pero sólo se trata de una impresión personal. La premisa (buenísima, muy prometedora) involucra a un trío de hermanos que hacen lo imposible para conservar junto a ellos a Wendy, una nosferatu muy bonita (Shellie Marie Shartzer, la mejor zombie desde Jey Crisfar haciendo de Otto en la obra de Bruce LaBruce) que parece no fallecer jamás y que al mismo tiempo genera mucha atracción en dos de los hermanos, uno parsimonioso y el otro efervescente (pero los roles podrán trocarse más adelante, cuando en la historia ingresen Abby, Ana e incluso un dúo de perros rottweiller que será servido como cena a Wendy).

Sobremusicalizado (otra vez, impresión personal), el film presenta varias escenas que podrían, en lo práctico y lo técnico, compararse con ciertas escenas de cierto film de Sophia Coppola, no obstante aquí todo huele a exceso y nada resulta del todo genuino.

Un exceso de sensibilidad (exacerbada ó directamente poco honesta) es detenido en seco por la sensatez de un personaje, justo cuando el llanto y la música estilo Enya (no Air, que se entienda: Enya) podía llegar a hacernos incomodar.

En Make Out With Violence la música parece no dejar de sonar jamás y sólo se detiene cuando Wendy (recluída en un baño y cuasi-disciplinada poco a poco por uno de los hermanos) se incorpora entre espasmos violentos y encantadores, como deseando profundamente realizar -ó hacer ó llegar a- algo, pero sin lograrlo del todo en ningún momento. Como en el film, que cumple y que entretiene la vista y el oído, pero que de ningún modo puede ser equiparado con Suicide Virgins.

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Daniel Celina

crítica: Best of Trailers From Hell!

Best of Trailers From Hell! USA 2009. Compilación a cargo de Elizabeth Stanley.

Uno de los elementos (cinematográficos) más impactantes de Pet Sematary radicaba en el niño Gage -Miko Hughes- y su inocencia/ferocidad. Esta compilación de trailers nos ofrece el privilegio bastante inusual de escuchar ¡y ver! a Mary Lambert (directora de aquél gran film) mencionando que uno de sus trailers favoritos es el de Children of the Damned por que allí comprendió que el factor "niño malo" podía generar, en ciertas ocasiones, más espanto que un monstruo. De modo que Trailers From Hell! nos sumerje en una recopilación de casi treinta trailers, comentados ó endiosados por personalidades bastante conocidas para el mundillo freak (Dante, Landis, Arkush, Roth, Lambert, Rick Baker y Larry Cohen). Uno de los puntos más altos de esta gran ensalada incluyen a Larry Cohen explicando -a fuerza de trailers- por qué la Marnie de Hitchcock no es tan buena, y a Rick Baker comentando el trailer de una película "bastante aburrida, pero con muy buenos efectos especiales". Tal vez observar tantos trailers juntos corresponda al último placer culposo de cierto grupo de personas, aunque no descontamos que ésta recopilación (por extensa) pueda aburrir a más de uno. No nos ha sucedido a nosotros. Además, el catálogo del festival realizó un gol de media cancha enumerando (con todos los datos) todos y cada uno de los films que aquí tenemos el placer de pispear a través de sus disparatados avances cinematográficos. Ideal para salir a buscarlos en DivX.

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daniel celina

crítica: Dogtooth

Dogtooth (Colmillos). Grecia 2009. Dir: Yorgos Lanthimos.

El título original del film presenta mucho más gancho que Dogtooth: Kynodontas. La cuna donde se meció la idea del gobierno ejercido por el pueblo (Grecia, de dicho faro hablamos) nos ofrece una historia en la que un patriarca decide llevar adelante el más guarro proyecto de aislación absoluta y definitiva. Los voluntarios (o no) serán su mujer y sus descendientes (dos muchachas y un muchacho). La aislación absoluta consiste en no permitir que nadie (excepto él, claro está) traspase los límites de la casa -un contundente chalet en medio de la nada- y la condición definitiva radica en farsas desinformativas, ésas en las cuales significante y significado se trocan a merced del patriarca, provocando en los jóvenes reacciones tan indeseadas como masacrar a un gatito con un par de tijeras de jardín.

Un factor ajeno y externo (una dama que ofrece sus servicios al muchacho) oficia de disparador para que la tríada de jóvenes comienzen a deambular sus despertares sexuales y sus interrogantes definitivos, todos estos viciados (ó alterados) por años de aislación y disciplina novedosa pero no por eso menos insensata. Será cuestión de observar qué célula de la familia explotará y llevará adelante su accidentado y violento escape de una vez y para siempre.

Lanthimos presenta una concepción de tiempo y espacio (mas bien progresión y encuadre) en el cual hasta el incesto más freak resulta suave y benigno. La ubicación de su cámara no logra incomodarnos en esta clase de eventos. Sí en otros, como la violenta extracción de un molar.

Probablemente sea el único film de la historia que osa hacer pasar a Frank Sinatra por un simpático abuelo griego. Sólo por ello merece observación.

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daniel celina

crítica The Set-Up

The Set-Up (El Luchador). USA 1949. Dir: Robert Wise.

Más allá de los raptos violentos a los cuales asistimos tanto en Dogtooth como en Antichrist, cabe mencionar (sin ánimo de exagerar las cosas) que las mejores hostias del festival hasta el momento están aquí, en esta gema del Cine Negro que supo dirigir Wise en 1949 y que relata la historia de un boxeador que nunca gana... hasta que una noche decide ganar, para disgusto de su pareja y también de su entrenador y de su masajeador y -particularmente- de un mafioso que había apostado muchísimo dinero al bajo handicap de nuestro héroe.

Los asaltos (pugilísticos, no a mano armada) del film son una maravilla en la cual pueden descubrirse semillas que florecieron tiempo más tarde en algunos de los segundos más intensos de Raging Bull.

Y la belleza fotográfica del film nos recuerda aquél ejercicio deportivo de pelear contra tu propia sombra. Aquí las sombras pelean con personajes y escenarios, ganando el match general en cuanto a ambientación se refiere.

El catálogo jura y perjura que Quentin Tarantino utilizó la premisa de The Set-Up para uno de sus segmentos de Pulp Fiction. Quizá sea cierto, sólo que aquí Robert Ryan recibe muchos más bifes que Bruce Willis.

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daniel celina

crítica Ricky, de Francois Ozon

Ricky. Francia/Italia. Dir: François Ozon.

No es lo mejor del director de la excelente Gotas que caen sobre rocas calientes y la casi perfecta 8 Mujeres, pero bien vale como muestra de un cine que busca la diferenciación desde el toque onírico, desde la originalidad bien entendida.

Ricky remite de manera inevitable al clásico kitsch de 1978 Tobi, el niño con alas, porque sí, porque aquí hay un niño con alas, hijo de una pareja formada por una mujer que vive sola con su hija, y un compañero de trabajo (el siempre correcto Sergi López) que no parece estar del todo convencido con su vocación de sostener una pareja. Pero la vuelta de tuerca tiene que ver con que no se trata de un ángel, sino de un bebé con alas de ave.

No hay explicaciones científicas sobre el fenónemo (imaginate lo que hubiera sido esto en manos de Hollywood) pero sí una exploración sobre los efectos en la familia del niñito.

El film es liviano, sin mayor profundidad sobre la psiquis de los personajes ni momentos de alto vuelo (con perdón de la obviedad), pero el todo termina conformando una película que quizá no supere la calificación de "agradable", pero que al menos evita el papelón, en medio de un tema que bien podría haber derrapado a poco de comenzar.

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--daniel castelo

crítica Antichrist, de Lars von Trier

Antichrist. Suecia/Italia/Polonia/Dinamarca/Francia. Dir: Lars von Trier. Sección Panorama - Autores.

No son pocos los que hace tiempo vienen asegurando (a los gritos, incluso) que el amigo Von Trier debiera haber colgado los botines tras la movida de marketing del Dogma. Algunos, no tantos, confiábamos, hasta ahora, en que el creador de Dancer in the Dark todavía podía sorprender desde un lugar legítimo, consolidar su lugar como autor y, de paso, entregar un gran film.

El caso de Antichrist, una verdadera fiesta de cine bizarro maniqueo, calculador y tremendamente hijo de puta, es todo lo contrario a lo que uno podía desear.

El film comienza con la miserable decisión de estetizar (ralenti incluido) la caída de un bebé desde una ventana. Y lo que sigue es peor.

Prefiero meter el dedo en la torta y decirte que el punto más alto de la catarata shocker de Von Trier es el primer plano de una automutilación de clítoris. Esto como parte del combo autoflagelación culposa por parte de la madre del niño, kit de dolor que incluye los malos momentos que le hace pasar una extraordinaria Charlotte Gainsbourg a nuestro querido Willem Defoe. Mala, mala, mala eres.

En el medio, más de una hora de lamentos nórdicos, en medio de la nada, vacío geográfico que se traslada al guión, en el que abundan los llantos y los diálogos de pretendida relevancia psicológica, como para reforzar que estamos ante un drama y no ante una más de terror quirúrgico.

Pero no. Von Trier desbarranca ante su necesidad de sacudir al espectador como sea, cagándose de manera definitiva en su carrera previa (o profundizando sus costados menos nobles) sometiendo a los actores a un tour de force únicamente concretado para demostrar lo bien que trabaja con los intérpretes a la hora de sacarles emoción y entrega. Y si no preguntale a Bjork.

Y lo peor de todo, sin embargo, llega previo a los créditos finales, cuando una placa nos dice que el despropósito de marras fue un homenaje a Tarkovsky. Hay que ser turro, hay que ser.

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--daniel castelo

Día 6. Poco serio.

Comunicado de prensa.


"La DAC (Directores Argentinos Cinematográficos) y la organización del 24º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (www.mardelplatafilmfest.com), informan que por motivos de fuerza mayor de los miembros de la DAC no se entregará este año el Premio que estaba previsto.

La decisión fue comunicada hoy desde la DAC al Festival, ante la imposibilidad de reunirse el Jurado que iba a llevar adelante la definición del lauro."

¿Ni siquiera un vermouth en un bar de la rambla? Muchachooooooooooos

Día 6. Dos imperdibles

Dos actividades especiales aparecen como inevitables en la jornada de hoy (además de las proyecciones del film en competencia de Israel Adrián Caetano, Francia).


15:00 /Meeting Point Hotel Provincial

Presentación del Libro. Homero Alsina Thevenet. Obras Incompletas.Tomo 1. – Coordinado por Fernando Martín Peña

Homero Alsina Thevenet (1922-2005) fue el crítico e historiador de cine más importante e influyente de Latinoamérica. Dejó veinte libros e infinidad de artículos a lo largo de sesenta y ocho años de trayectoria periodística ininterrumpida. Este primer tomo de sus Obras incompletas reúne gran parte del material que produjo entre 1937 y 1955 (incluyendo su trabajo para el legendario semanario Marcha), nunca antes publicado en libro. La tarea de recopilación estuvo a cargo de Fernando Martín Peña, Álvaro Buela y Elvio Gandolfo


16:30 / Gran Hotel Provincial. Salón Dauphine

Charla con Maestros: Juan José Campanella. Coordinador: José Martínez Suárez. “Mi vida en y con el cine”

El director de una de las películas más exitosas del cine argentino, EL SECRETO DE SUS OJOS, compartirá sus conceptos e ideas sobre el cine, sus valiosas experiencias como director y guionista en nuestro medio y en el extranjero, sus similitudes y diferencias que lo han hecho merecedor de una trayectoria de prestigio internacional.

Día 5. Numeritos

Algunos datos estadísticos del festival, según fuentes oficiales.

En los primeros cuatro días, concurrieron a las salas 31.435 espectadores.

La cifra incluye también los cinemóviles y las actividades especiales (charlas, seminarios).

Las entradas se agotaron en varios cines. Un dato concreto y palpable ocurrió ayer en la función de Ricky, en una de las salas del Paseo, donde se sobrevendieron tickets y un número considerable de personas debieron (debimos) ver la proyección desde las escaleras.

crítica Taking Woodstock, de Ang Lee

Taking Woodstock. EE.UU. Dir: Ang Lee. Sección Panorama - Autores.

Para quien escribe, la mención de un film sobre Woodstock dirigido por el hombre que pasó por todos los géneros haciendo las cosas bien, era suficiente garantía. En ese sentido, Taking Woodstock es todo eso y, además, aprovecha para ser una de las grandes películas que la cultura rock tiene para autocelebrarse.

El viejo Lee eligió contarnos una historia sobre el más grande recital de todos los tiempos pero dejando para el fuera de campo lo estrictamente musical. No hay concierto explícito en su film, apenas un lejano sonido de músicos en acción. El relato se centra en lo hecho por la cream del show, desde su parte empresarial hasta, y puntualmente, el joven que aquejado por las deudas familiares y su necesidad de producir un espacio para la cultura, ofrece los terrenos de su pueblo para que el show pueda continuar, o al menos dar inicio.

Tenemos aquí, además de un relato impecable, múltiples referencias a la cultura pop(ular) de los 60s, con el campo de batalla listo para el inevitable enfrentamiento entre sexo, droga, rock and roll y el combo tradición, familia, propiedad. Y por una vez, al menos allá lejos y hace tiempo, ganaron los buenos. Como ganó el tío Ang, con su mirada nacida en Oriente pero nativa por opción en tierras yanquis. El ojo avispado y la cabeza todo lo lúcida como para que la fiesta nos haga sentir, al menos durante dos horas, que las cosas pueden ser (o podrían haber sido) mucho mejores.

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--daniel castelo

Día 4. Poner la oreja

Cualquier función de un festival de cine otorga la posibilidad de escuchar díalogos que van desde la declamación cinéfila (¡foco! ¡encuadre! ¡foco!) hasta la más absoluta explicitación del mediopelismo local.

I

(señora mayor habla con su compañera de fila en medio de los títulos)
Espectador indignado: -Shhhhhhhh
Señora: -La película no empezó.
Espectador indignado: -Pero usted ya se va a terminar.


II

(fila del Ambassador, previa a Antichrist. encuentro casual)
Ella: -¡Hoooola! ¿Qué vas a ver?
El: -Anticristo.
Ella: -Ah! ¿De terror?
El: -Mmmno, de drama.
Ella: -Ah! Yo recién salgo.
El: -¿Qué viste?
Ella: -Vi Shak en tresdé.


III

(leve desenfoque en la apertura de un film)
Gritos masivos: ¡Foco! ¡Che foco! ¡Foco che!
NN: -¡Ayyyyyyy los estudiantes de cine!


IV

(diálogo de final imprevisible entre dos críticos. sala de prensa Hotel Provincial, junto a una mesa con vasos y jarras de café)
Señor 1 -Hola, ¿queda café?
Señor 2 -No (y guiña un ojo), sólo queda leche.

Away We Go, de Sam Mendes

Away We Go. EE.UU. Dir: Sam Mendes. Sección Panorama Autores.

Con American Beauty como principal estandarte, la carrera de Sam Mendes parece signada por la necesidad de reforzar su lugar como realizador de peso dentro de cierta vanguardia progre (para los cánones de la industria), de cierta mirada no convencional sobre el american way.

Away We Go podríamos decir que cumple con lo justo pero sin complicaciones, sobre todo por su pertenencia a una estética que continúa lo visto en el film con Kevin Spacey, pero más aún por su elección de una formalidad indie, de mirada ágil y desatada de lo que se supone que debe decirse desde el mainstream.

Una pareja de solteros treintaypico afronta los meses previos a la llegada de su primer hijo con la incertidumbre de quienes no encontraron aún el lugar en el que quieren criar a su vástago. Mamá y papá de ella murieron. Mamá y papá de él viven en su nube de egoismo. Ellos, más por la fuerza que por decisión propia, se lanzan a buscar la tierra soñada o, al menos, un lugar más o menos decente donde recibir al nuevo ser.

Así es que pasan territorios disímiles como Montreal o Phoenix, entre otros, a la par de personajes marcados por la particularidad de no pocas señas de distinto calibre freak.

Mendes retrata este derrotero en clave casi de road movie, a la vez que bien instalada en cada escenario, como si el próximo pudiera ser el definitivo. La cámara acompaña a la pareja de marras pero sin elegir la mera contemplación, siendo una protagonista más en una aventura contada con los elementos justos y necesarios, además de una banda de sonido de guitarra y voz que hace las delicias del oído sensible.

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--daniel castelo

crítica The Revenant, de Douglas Kerry Prior

The Revenant. EE.UU. Dir: Douglas Kerry Prior. Sección Panorama - Hora Cero.

"El reanimado" es un buen trabajo del género de los zombies, pero más por lo que apuesta en cuanto a novedad (un soldado muerto en Irak que despierta en su féretro y se anoticia sobre su condición de vampiro) que por lo que revela desde lo formal-narrativo.

Se trata de un opus bien logrado desde es subgénero de la comedia de horror, con más gags (hay una fuerte deuda con Stuart Gordon) que escenas propias de la herencia de George Romero o Lucio Fulci, aunque claro, las referencias están y en algunos pasajes se hacen notar.

La situación del no-muerto enfrentado a sus posibilidades de vida eterna es lo más subrayable, a lo que ayuda su amigo-compinche, un atorrante que a la primera de cambio le pide que lo incluya en los de su especie y le otorge el "regalo oscuro".

Sangre, alguna que otra víscera por allí, mucho criminal latino y negro, más de una (obvia) referencia a la patria (¿Terror republicano? ¿Ultimos coletazos de la era Bush en el cine independiente yanqui?) y algunos minutos de más conforman este trabajillo que, nobleza obliga, cumple con los fans del género y con la celebratoria asistencia a la sección slasher del festival. Misión cumplida, digamos.

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--daniel castelo

crítica TL-2 La felicidad es una leyenda urbana

TL-2: La felicidad es una leyenda urbana. Argentina. Dir: Tetsuo Lumiere. Sección Competencia Argentina.

Tetsuo Lumiere es ya un director de culto. Con un solo largometraje previo y una perseverancia militante en el complejo entramado del cine argentino, el hombre llegó a la competencia oficial del festival de Mar del Plata con un trabajo prolijo y uniforme. TL-2 (Tetsuo Lumiere 2, por si hace falta aclarar) relata el derrotero casi autobiográfico de su alterego, quien busca productores para una película que parece nunca poder ser terminada.

El film es, entre otras cosas, la constatación de que su director es quien mejor maneja los códigos, pelos y señales del cine mudo dentro de las fronteras argentinas. La película es en si apócrifamente documental, aunque incluye momentos de ficción al viejo estilo, con los fotogramas por segundo necesarios como para aplicar dentro del formato silente y con un estilo que recala con plena certeza en la slapstick del enorme Buster Keaton. Por otro lado, el bienvenido delirio general de la puesta, sumado a la brillantez de gran parte de los gags y la exactitud del homenaje retro conforman un trabajo imperdible para cualquier cinéfilo atento a los guiños.

Y cuidado con el Tetsuo intérprete, todo un hallazgo hasta ahora no del todo explorado.

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--daniel castelo

crítica The House of the Devil, de Ti West

The House of the Devil. EE.UU. Dir: Ti West. Sección Panorama - Hora Cero.

Atención con este muchacho (29 años, cinco films en su haber, dos en producción) porque se viene con todo.

Se trata de quien hace unos años presentó en este mismo festival la (justamente) ninguneada The Roost, malogrado largo de terror sobre murciélagos fatales. Sin embargo, el hombre parece haber crecido todo lo necesario desde 2005 a la fecha y presenta en MDQ un enorme trabajo de recreación-homenaje, filmado este año pero ubicado estéticamente y formalmente en los ochenta y con múltiples links al género, cuando estuvo en manos de gente como Dario Argento o Lamberto Bava.

El relato nos trae a una joven y bella señorita de jeans (ay, esa moda...) que en busca de dinero para un alquiler, cae como presunta cuidadora de una anciana en el caserón de una pareja que se ausentará durante unas horas.

Claro, todo es mucho más truculento de lo que ella supone (aunque uno, como en aquellos años, se da cuenta de todo con varios minutos de antelación) y la cosa no tardará en volverse fatal y sanguinaria a poco de comenzar.

Decir que se trata de un festín de terror retro es redundante, desde el título se nos anticipa de que va la cosa. Lo cierto es que House of the Devil es toda una celebración del género y eso de por si salda cualquier cuenta pendiente del director, para quien, desde ya, pedimos un cheque en blanco por lo que reste de su carrera.

* * * * 1/2

--daniel castelo

crítica Karaoke, de Chris Chong Chan Fui

Karaoke. Malasia. Dir: Chris Chong Chan Fui. Sección Panorama - Estados Alterados.

Si la idea era fragmentar la narración para presentar una historia de camino incierto y relato náufrago, podríamos decir que la tarea fue cumplida. Pero claro que a fuerza de tirar a la papelera de reciclaje cualquier esperanza de encontrarse con algo más o menos sólido, más o menos bien redondeado. El problema principal de Karaoke no es su concepción casi fronteriza del oficio de contar una historia, tampoco la pobre dirección de actores, o la insoportable levedad del karaoke propiamente dicho, ni mucho menos su estética desdibujada o abandonada. El problema es que haya visto la luz del proyector, sobre todo en un festival en el que el cine oriental no tiene la presencia numérica de otros años.

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--daniel castelo

crítica Nothing Personal, de Urzula Antoniak

Nothing Personal. Holanda/Irlanda. Dir: Urzula Antoniak. Sección Competencia Internacional.

Uno de esos films que no necesitan mayor adhesión si se trata de justificar su pertenencia a la competencia oficial. Una película sobre la soledad, pero también sobre el dolor, la angustia existencial y la necesidad de anular al otro para ser uno mismo.

Sin embargo, los dos únicos personajes de este opus también incluyen entre sus apuntes la búsqueda de algún mínimo momento de felicidad, pese a sus corazas, pese a sus ladridos y sus apagados gritos de desesperación.

Stephen Rea es aquí un hombre solo, alejado del resto del mundo en su casa casi escondida entre el paisaje de las tierras nórdicas. La extraordinaria Lotte Verbeek, por su parte, componen a una mujer que acaba de finalizar un matrimonio (el film da inicio con ella quitándose el anillo carcelero) y emprende un escape hacia adelante, mochila a cuestas y camino a donde la lleve el destino.

Se cruzan, claro. Chocan, por supuesto; su primer contacto físico incluye un golpe y una caida. Pero el intrincado laberinto en el que parecen haber decidido perderse los colocará en situación de ring sentimental, de duelo a muerte pero sin triunfo ni derrota.

Ah. Una de las películas más contundentes y redondas del festival, al menos por lo visto hasta aquí.

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--daniel castelo

crítica Moon, de Duncan Jones

Moon. Gran Bretaña. Dir: Duncan Jones. Sección Panorama - Nuevos Autores.

Y sí, Space Odity de papá David suena como una obviedad certera, porque Duncan Jones es hijo de su majestad Bowie, y la odisea lunar que aquí emprende el gran Sam Rockwell (con experiencia en el rubro; 13 Moons, Galaxy Quest) tiene así más de una conexión con la obra marciana del duke.

Pero más allá de los links de rigor, Moon es un pequeño tratado existencial sobre el futuro, la libre empresa, la miserabilidad y la ética de la ciencia, como para empezar a contar. Además, un gran film de ciencia ficción, con robot-amigo-controlador incluido, como para que los caminos nos conduzcan también al maestro Stanley.

Mr. Jones dirige con pulso firme una epopeya trágica, a bordo de una nave lunar cuyo presunto único piloto cree ser alguien que no es, o sí, o si la hi tech lo deja, lo permite. Y no lo extermina antes de tiempo.

* * * 1/2

--daniel castelo

crítica Castaway on the Moon, de Lee Hey-yun

Castaway on the Moon. Corea del Sur. Dir: Lee Hey-yun. Sección Panorama - Sentidos del humor.

El catálogo la presenta como una cruza entre Robinson Crusoe y Jackass, lo cual, sobre todo por la última comparación, poca justicia le hace.

Y es que este film, uno de los pocos de Surcorea en esta edición del festival, es mucho más que eso; es un trabajo sobre la soledad militante, sobre la búsqueda de la diferencia respecto del resto del mundo. El protagonista central, un angustiado yuppie urbano, termina de decidir su suicidio en medio de una charla telefónica con el call center de una empresa prestamista que le anuncia su inminente debacle personal.

La pequeña epopeya de quitarse la vida se ve trunca, y ternmina con el cuerpo de nuestro antihéroe arrastrado hacia una isla... a ¿300? ¿400? metros de la ciudad. Pero él no sabe nadar y por sus breves pedidos de auxilio no obtiene respuesta alguna. Quizá por eso, quizá por su propia necesidad, el sujeto elige clavarse ahí, en esa tierra (no tan) lejana pero aparentemente propia, y sin necesidad de deuda alguna ni credit cards.

En la otra orilla, una atribulada joven posmo vive encerrada en su habitación, y su cuarto no da al jardín, da la gran city y gracias al objetivo de su sony, también a la islita del susodicho. Desde allí, conviviendo con restos de comida, latas de conserva y fotos de la luna, establece una amistad a fuerza de botellas con mensajes y -desde el otro lado- escrituras sobre la arena. El amor, ponele.

Lee Hey-yun se las ingenia para contarnos la historia de un náufrago que nos angustia más que cualquier temporada de Lost porque la solución está ahí nomás, a un par de manotazos sobre el agua. Y quizá la épica esté precisamente en eso, en la búsqueda del aislamiento pese al no tan lejano salvavidas.

La resolución del relato, en este marco, es un elemento más, en comparación con el peso propio de todo lo que sucede durante el resto de film. Y quizá no esté de más, tampoco, decir que es lo de menos.

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--daniel castelo

crítica Vikingo, de José Celestino Campusano

Vikingo. Argentina. Dir: José Celestino Campusano. Sección Competencia Internacional.

El año pasado este mismo director presentó una de las sorpresas del festival (por esa paradójica conjunción de lo errático del resultado final con la buena recepción entre el jurado), Vil romance. Además, el work in progress de Vikingo participó y ganó un estímulo que le permitió finalizar el trabajo que este año también ingresó en competencia oficial.

Lo concreto es que este nuevo trabajo de Campusano es todo aquello que Vil Romance no logró ser: un film sólido, bien contado de principio a fin, con un guión ajustado, con actores bien dirigidos. Además, la historia que se nos cuenta (la relación de un líder motoquero con su familia, su tribu y un outsider que trastoca su cotidianeidad) tiene un interés legítimo que se ve superado incluso por lo efectivo del relato, algo inversamente proporcional a lo que sucedía con su primer opus.

Campusano elige la aspereza para hacer su retrato, opta por un neorealismo bonaerense que mira al refinamiento estético de lejos pero al mismo tiempo apuesta por un estilo propio, sucio y desprolijo (gracias Carpo) pero a la vez concreto y sin innecesaria ampulosidad industrial. Lo suyo es cine independiente a todo o nada. Y aquí el caballero, al que podemos imaginar tan motorizado como su ejército de no-actores sobre ruedas, gana.

Bonus Track: Gran parte del elenco del film presenció la proyección nocturna en el cine teatro Auditorium, en las últimas filas, viendo de lejos lo que suelen vivir de cerca, dejándole la experiencia de la cercanía al resto de la audiencia que, por otra parte, recibió con aplausos y buena perspectiva para el premio del público a esta dura (y gran) historia sobre duros.

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--daniel castelo

crítica L´Horloger de Saint-Paul, de Bertrand Tavernier

L´Horloger de Saint-Paul. Francia. Dir: Bertrand Tavernier. Sección Revisiones y Homenajes.

Asistir a un ¿olvidado? clásico del cine francés y en 35 mm es una oportunidad que no puede dejarse escapar sin caer en la culpa eterna. El interés es inmediato, aflora en cuanto uno descubre el título en el catálogo o la grilla de programación. Allí está el maestro exhibiendo su térnica y su forma de contar un policial distinto, asistido en el cast nada menos que por Philipe Noirte (el relojero) y Jean Rochefort (policía), antagonistas frente al crimen que, se supone, cometió el hijo del hombre de las agujas.

"No soy suizo pero soy relojero", dice el personaje de Noirte en uno de los diálogos centrales del relato. Y quizás por eso, quizás de manera subrayada, es que el film se siente perfecto y sincronizado en cada una de sus escenas. Tavernier pone la cámara allí donde se hace necesario, donde el guión (compartido con otros dos escribas) lo requiere.

Un romance con muchos grises, la política europea pintando todo de un color que va de lo oscuro a lo enceguecedoramente blanco ("los franceses quieren alcaldes de izquierda pero presidentes de derecha") dicen, allá por 1974, seis años después del Mayo de París y tres décadas antes de que la profecía siguiera cumpliéndose.

Cine puro, de artesano, de obsesivo y de resultados indiscutibles.

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--daniel castelo

crítica Old Partner, de Lee Chung-ryoul

Old Partner (Wyonang sory). Corea del Sur. Dir: Lee Chung-ryoul. Sección Panorama - El Estado de las Cosas.

Si uno aununcia el tema central de un film como "la relación entre un hombre y su buey" pueden suceder dos cosas:

1. Que el público huya despavorido a los cinco minutos de comenzado el film.
2. Que el público ni siquiera se acerque a las salas.

Quizás porque estamos en medio de un festival de cine, la proyección de Old Partner (algo así como "viejo socio") fue un relativo éxito, en el sentido de que no solo no ocurrieron fugas masivas, sino que además la historia de un anciano y su moribundo buey resultó más que bienvenida para quienes asistimos a la función en una de las pequeñas pero cómodas salas del Paseo.

El mérito de la dirección está en conmover desde el relato documental pero casi transformarlo en ficción. O mejor, utilizar las herramientas de la ficción para contar una historia real y sin caer en lugares comunes o lacrimógenos momentos a los que las "historias de vida" nos tienen harto acostumbrados.

Lo que sucede finelmente con el animalejo en cuestión es previsible, pero el "mientras tanto" de su dueño (y su sufrida esposa) no. Y ahí también es donde gana este largo.

* * * *--daniel castelo

Día 2.

Hace frío en la ciudad feliz. Mucho sol pero con playas vacías, al menos en la zona centro.
La rambla merecería ser declarada capital nacional de la cumbia y regaeton, a lo que se le suma la paqueta feria de ropa trucha, relojes, gorro, bandera y vincha. Ah, a unos metros de allí, en la peatonal San Martín, la réplica de La Salada hace furor en el llamado "Shoping Peatonal", donde las grandes marcas de ropa reciben su merecido homenaje de parte de los imitadores y adoradores de las tres tiras y el tilde más reconocible del mundo.

Punto aparte.

Algunas para hoy, de las más destacadas:

-Vikingo, de José Celestino.
El director de la sobreestimada Vil Romance contraataca con una peli sobre motoqueros, que promete algo más que diálogos mal cocinados. Parte del staff del film está en la ciudad, por lo que espero se trate de un film respetable, digo, para poder caminar sin esconderme de los muchachos de cuero y tachas.

-Nightmares in White, Red and Blue, de Andrew Monument.
Documental armado con entrevistas a grandes representantes del género del terror yanqui, como John Carpenter, Roger Corman o George Romero, entre otros.

-Castaway on the Moon, de Lee Hey-jun.
El catálogo la anuncia como una comedia que flota entre Robinson Crusoe y Jackass. Especie de comedia absurda montada sobre prejuicios para contar una historia de amor atípica.

-Karaoke, de Chris Chong.
Para matizar un poco, una rom{antica en serio, sobre una lady que regresa a su pueblo natal tras dos años de estudio universitario.

crítica: A Serious Man, de Ethan & Joel Coen

A Serious Man. EE.UU. 2009. Dir. y Guión: Joel & Ethan Coen. Película de Apertura.

El film que abrió oficialmente el 24º festival de Mar del Plata no podría haber estado mejor elegida. Bueno, hablamos de los Coen, de su impronta cinematográfica, de su peso en kilates de fílmico y su influencia en el universo del cine, desde la industria hasta los espíritus indies.

Desde este lugar, resulta tan atormentada como celebrable la historia de Larry Gopnik, un hombre apabullado por su esposa infiel, sus hijos atribulados y el familiar con problemas mentales que duerme en su casa y le ocupa el baño varias horas por día. Todo esto con el plus (casi excluyente) de la sombra de la falacia religiosa, iniciada con una leyenda sobre un rabino inmortal y continuada con los escalones que su hijo transita en la carrera judaica.

Para contar todo esto, los Coen apelan a un nivel de mordacidad al que ni siquiera los mejores Woody Allen o Mel Brooks (al fin y al cabo, dos caballeros respetuosos) habían echado mano.

Una cámara siempre bien colocada, con la impronta border que profesaron siempre y que le ha valido alumnos de la talla de Wes Anderson, acompaña a un guión brillante y unas líneas de diálogo hilarantes hasta el paroxismo.

Los Coen siguen en la ruta y lo hacen con la precisión de (casi) siempre. Bienvenidos a la playa.

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--daniel castelo

Día 1. bis

Cambio de planes.
Las tentativas quedan para otro día ya que hoy, apertura, será noche de los Coen y no le vamos a despreciar la oportunidad (se sabe, el día que evitaste una función no la embocás más).

Así que:

Old Partner. Un hombre y su buey unidos en una historia de algo más o menos raro y definitivamente acertado para una película de festiva. 15.30 Cine del Paseo.

El relojero de Saint Paul, del maestro Tavernier. Un relojero, su hijo y un supuesto crimen. En el medio el amor de un padre a un hijo, no se puede comparar, es mucho más que todo. No, si vos sabés. 17.30 Ambassador.

A Serious Man, de los Coen. Joel & Ethan abren oficialmente el festival y allí estaremos para conocer lo nuevo de los blues brothers en 35 mm.

--daniel castelo

Día 1. Llegada

Micro de Flecha Bus 2da selección, asiento semi cama (de preso), galletitas de agua y café tibio.

Ciudad de Mar del Plata. Exteriores. Sol, frío, cola para acreditaciones y "colapsó el sistema y la mitad no se imprimió" ("empezamos ayer y no llegamos", sería una alternativa). Grilla. Ir o no ir a la ceremonia de apertura.

Tentativas:

Coming Atractions (la historia de los trailers). Ambassador 3. 18.45

Moon. Cuento de sci-fi existencialista, dirigido por el hijo de David Bowie. Ambassador 1. 21.30

The House of the Devil. Terror clásico y moderno. Medianoche del festival, una fija de ZonaFreak. Ambassador 1. 0 hs.

--daniel castelo